Revista de Ensino em Artes, Moda e Design

Resumo. A coleção de Indumentária Sophia Jobim – CSJ, do Museu Histórico Nacional – MHN, pertenceu à Maria Sophia Jobim Magno de Carvalho (1904-1968), que foi professora, figurinista, jornalista, pesquisadora e colecionadora de trajes, acessórios e histórias. Após o falecimento de Sophia toda a coleção dela foi doada Museu Histórico Nacional – MHN. A Coleção Sophia Jobim – CSJ está dividida em três partes: arquivo histórico; biblioteca e reserva técnica. A pesquisa estuda toda a coleção, mas encontra-se em andamento, por isso apresentamos os resultados parciais que, inevitavelmente, se confundem com a biografia da colecionadora. Nossa abordagem se aproxima de investigações similares daquelas que tratam os acervos de indumentária / moda com o foco voltado para a biografia cultural de objetos, conforme: Amy de la Haye, Lou Taylor e Eleanor Thompson (2005); Igor Kopytoff (2008); Rita Andrade (2008). Esse tipo de perspectiva nos ajuda no entendimento da coleção que Sophia Jobim juntou, ao longo de sua trajetória profissional, culminando com a inauguração do Museu de Indumentária Histórica e Antiguidades – MIH. Por isso, é necessário perguntar: De onde essas peças vieram? Como foram adquiridas? Quem eram seus antigos donos? É possível verificar e responder estes questionamentos? Ao adquirir objetos de arte e peças / acessórios de indumentária para sua crescente coleção, Sophia parecia estruturar o “seu museu”, como vemos neste texto. Assim, os objetos culturais que ela comprou passaram pelo processo de mercantilização e valoração que, por conseguinte, iriam refletir esses valores na trajetória de sua colecionadora, e vice-versa.

Resumo. O artigo visa destacar as contribuições de um ilustrador importante para o cenário da história do design e da ilustração no Brasil: o sergipano Cândido Aragonez de Faria. Essas contribuições são apresentadas por vias de um resgate de sua biografia e trajetória de atuação na composição de cartazes para o cinema francês. Faz uso de uma análise documental e hermenêutica do percurso histórico do cartazista sergipano e problematiza sua trajetória entre o desenho acadêmico e a arte comercial e a situação periférica de Faria como nordestino, brasileiro e cartazista em um mercado parisiense para explicar sua ausência na historiografia do design brasileiro. Finaliza enfatizando o papel inovador de suas técnicas na produção de cartazes.

Resumo. Este artigo trata da temática dos objetos-como-memória, em especial as roupas, enquanto agenciadores de relações sociais, e objetiva apresentar um procedimento metodológico de análise de indumentárias. As abordagens aqui contempladas partem do exemplo de um casaco confeccionado na década de 1950, a fim de discutir questões acerca de memória, roupa e cultura material. São descritas ferramentas de análise do artefato, bem como de anúncios publicados em revistas voltadas ao público feminino da época em que esse foi confeccionado, considerando o protagonismo que os aspectos materiais das roupas podem ter em pesquisas nos campos da moda, design e cultura. O foco do texto consiste, portanto, na compreensão das indumentárias como documento, apresentando ao leitor os processos metodológicos de análise para esse fim

Resumo. A partir das referências ao ensaio A moda, de Georg Simmel (2020), feitas por alguns autores estudados nos bacharelados de moda no país, (CRANE, 2006; ERNER, 2005, LIPOVETSKY, 2009; SVENDSEN, 2010), este artigo discute que na teoria simmeliana o fenômeno da moda transcende os aspectos ligados ao mecanismo de imitação, conhecido por “teoria do gotejamento” (trickle-down theory). Nesse sentido, o artigo se detém em especial nas referências que Crane (2006) faz ao ensaio de Simmel, uma vez que a autora aponta que o estudo sobre a imitação teria sido a principal contribuição de Simmel para uma sociologia da moda, isolando assim o aspecto da imitação dos demais desenvolvimentos teóricos realizados por Simmel, em especial os fundamentos teóricos e metodológicos relacionados aos contextos de interação e das formas de socialização. Esse deslocamento do texto de Simmel acaba por sombrear parte dos elementos críticos que se desdobram sobre a moda na sua condição efêmera, própria de uma modernidade discutida pelo autor no século XIX.

Resumo. O fazer manual do artesão possui em si princípios, valores e características singulares que o distinguem do fazer ligado à lógica industrial. A maior dessas características é a integração entre mão e mente, apesar de, historicamente, ter sido entendida como dicotômica, ao considerar que existia uma separação entre o trabalho manual do artesão e seu trabalho intelectual. Tal lógica, fundamentada na divisão moderna do trabalho, é passível de observação também no campo da moda, em que, frequentemente, o trabalho de design e a execução são separados, nos processos, estruturas e formatos. Este artigo tem como objetivo descrever reflexões conceituais preliminares sobre a relação entre artesanato e divisão de trabalho no processo de criação e produção de vestuário de moda autoral. Com uma abordagem metodológica qualitativa, de caráter exploratório, adota a pesquisa bibliográfica como procedimento para analisar e relacionar os fundamentos teóricos.

Resumo. Os tecidos vindos da África são fundamentais para pensar a estética dos candomblés paulistas, pois suas trajetórias históricas demonstram uma complexa trama cultural que questiona a noção de origem pura, sem deixarem de ser utilizados como símbolos de identidades culturais africanas e afro-brasileiras. Este trabalho analisa a motivação do uso de tecidos específicos vindos do continente africano pelos candomblés paulistas. O objetivo é relatar essa história e discutir, desde o continente africano até a atualidade, as presenças do tecido Așǫ Oke, produzido pelos yorùbá; do tecido estampado industrialmente Wax Print; e das rendas industriais nigerianas-austríacas. Buscou-se identificar a presença desses têxteis em imagens do século XX e em terreiros de São Paulo, para a análise no contemporâneo. Descobriu-se processos distintos que motivaram esse uso: o Wax Print ganhou uma carga de conexão com o que se veste no continente africano atualmente. Já o Așǫ Oke se relaciona com a ideia de tradição, enquanto o consumo das rendas importadas da Nigéria mescla uma alusão à indumentária das negras crioulas com a importação contemporânea de tecidos industrializados que passam pelo continente africano. A maior dificuldade da pesquisa foi encontrar as confluências de narrativas dos produtores dos tecidos, revendedores e usuários; além da escassez de pesquisadores brasileiros que se dedicaram ao tema. Por fim, a importância desta pesquisa reside em uma nova análise desses têxteis no contexto cultural, social, artístico e religioso dos candomblés paulistas, que os denota como parte indissociável da estética que compõe o ethos do povo de axé.Palavras-chaves: Așǫ Oke;Wax Print; Renda Africana.AbstractThe fabrics that come from Africa are fundamental for thinking about the aesthetics of candomblés of São Paulo, as their historical trajectories demonstrate a complex cultural plot that questions the notion of pure origin, while still being used as symbols of African and Afro-Brazilian cultural identity. This work seeks to analyze the motivation for the use of fabrics coming from the Africa, within the candomblés of São Paulo, until today. The objective is to bring the history of these fabrics from the African continent, until their arrival in candomblés: the Așǫ Oke, produced by the yorùbá; the industrially Wax Print; and Nigerian-Austrian laces. We sought to identify the presence of these textiles through images of the twentieth century, and visits to temples in São Paulo, for analysis in the contemporary. What were discovered were distinct processes that motivated this use: Wax Print gained a load of connection with what is being worn on the African continent today. Așǫ Oke is related to the idea of tradition. While the laces imported from Nigeria are consumed, mixing an allusion to the clothing of Creoles, with the contemporary import of fabrics that pass through the African continent. The greatest difficulty of the research was to find the confluences of narratives of the fabric producers and users; in addition to the few Brazilian researchers who have analyzed the textiles. Finally, the importance of this research lies in a new analysis of these textiles, in context of candomblés, verifying them as an inseparable part of the aesthetics that make up the ethos of the people of axé

Resumo. Como a reutilização dos vestígios memoriais pode contribuir para agregar valor à moda produzida por brechós? É a partir dessa pergunta que se pretende verificar de que modo conceitos da área da memória social, tais como os vestígios memoriais, podem ser positivos para revelar o valor dos produtos e do negócio. O presente texto, com base em teorias da memória social, lança um olhar sobre a área da moda, a partir dos “vestígios memoriais”, visando identificar a contribuição do brechó no âmbito da economia circular. Esse estudo não pretende se ater aos mesmos estabelecimentos voltados à economia solidária, ou seja, a venda de peças de segunda mão a comunidades mais carentes. O objetivo e intuito da presente pesquisa bibliográfica é, a partir da revisão conceitual proposta, embasar os conhecimentos sobre os temas de memória social, moda e memória, vestígios memoriais, entre outros relacionados, a fim de trazer uma posterior reflexão sobre eles dentro do aspecto de valorização dos produtos oferecidos em um brechó. Sendo assim também pretendesse verificar de que modo esses conceitos da área da memória social, podem ser positivos para revelar o valor dos produtos e do negócio. Para isso, foi proposto o desenvolvimento de um produto, chamado diagnóstico de comunicação. A ferramenta proposta é embasada nos estudos e prática de Relações Públicas.

Resumo. O presente estudo tem como objetivo analisar a ligação existente entre o campo do vestuário com o da memória, identificando como a primeira área mencionada pode agir sendo um fator, tanto construtor, quanto desconstrutor identitário. Inicialmente, são trazidos conceitos fundamentais para que seja possível discutir a temática, posteriormente, são apresentados casos que exemplifiquem o que foi abordado de forma teórico-conceitual, como peças de vestuário, atualmente, preservadas em instituições museológicas. O estudo dá-se por meio de uma revisão bibliográfica e estudo de caso. Dessa forma, concluindo que a memória e a identidade são indissociáveis, e ambas podem ser modeladas e remodeladas, assim como o vestuário modela-se ao corpo, entendeu-se, então, que há uma ligação direta entre os três conceitos aqui abordados.

Resumo. O presente estudo é uma análise estética, sensível e feminista da produção de artesanato em barro de uma mestra-artesã da comunidade do Alto do Moura, Caruaru, Pernambuco. O processo de análise e investigação refere-se às obras da mestra artesã Marliete Rodrigues, considerando que compreender as recorrências estéticas, sensíveis, simbólicas e subjetivas presentes na produção artística de mulheres artesãs pode evidenciar o imaginário que se constitui a partir das vivências socioculturais cotidianas das artistas sobre questões de gênero. A partir de dada dimensão fenomenológica, buscamos responder a perguntas como: Qual a centralidade dos elementos estéticos e sensíveis nas obras da artesã? Quais elementos de gênero e ligados ao cotidiano da comunidade são materializados através dos símbolos presentes nas obras analisadas? É possível caracterizar como feminista a estética que se desenvolve a partir do imaginário e é expressa em suas obras? Os resultados obtidos apontam que apesar de, à primeira vista, a obra da mestra parecer estar inscrita numa espécie de feminilidade compulsória, pelo uso recorrente de elementos ligados a flores, o recato no vestuário e as ações das mulheres retratadas, a obra de Marliete se revela dissidente ao propor sutis rupturas nas estruturas a partir das quais a arte em barro da comunidade do Alto do Moura é constituída.

Resumo. O presente estudo explorou no discurso da Pedagogia Waldorf a possibilidade de uma educação voltada para o futuro do ser humano, baseado na própria propositura, que é a de capacitar o sujeito para o enfrentamento dos desafios do mundo contemporâneo, integrando ciência e arte por meio de atividades educativas, práticas artísticas e artesanais, harmonizando as forças do pensar, sentir e fazer. O objetivo deste estudo foi o de verificar a relação entre o interesse despertado pelas atividades artísticas e artesanais em relação à formação de atitudes individuais que expressem criatividade, organização e colaboração, em um grupo de alunos matriculados no período da manhã no Ensino Fundamental I regular em uma cidade pequena do interior paulista que no contra turno escolar, frequentam um projeto educacional, com base nessa orientação pedagógica. Como referencial teórico, apoiamo-nos em Rudolf Steiner (2005;2015), Schiller (1990), Lanz (1990,2003,2005), Hahn (2007) e Walter Benjamin (2014).

Resumo. O estudo, de natureza teórica, tem como objetivo propor reflexões sobre as contribuições da Teoria das Representações Sociais (TRS) para a abordagem do upcycling na área da Moda. A fundamentação teórica está pautada em elementos conceituais do upcycling e da TRS. O recorte do artigo se define por revisão de literatura não exaustiva sobre os dois temas, buscando mostrar sua articulação. A literatura mostra a relação do upclycling com o desenvolvimento sustentável, se contrapondo ao que se conhece por “reciclagem”. Na perspectiva psicossocial da TRS, a maneira como sujeitos/grupos elaboram representações sobre upclycling, particularmente na área da Moda, indicam compreensões sobre significados que são construídos por meio das comunicações, expondo interesses específicos e revelando identidades culturais. O artigo busca despertar reflexões que poderão respaldar futuros estudos empíricos, uma vez que temas relativos à sustentabilidade estão cada vez mais presentes na formação e no mundo do trabalho da Moda, e a compreensão de significados construídos por diversos grupos envolvidos se torna relevante nesse contexto.

Resumo. Este artigo faz uma revisão da pesquisa de mestrado em Design, desenvolvida entre os anos de 2005 e 2006, que teve como foco um grupo de bordadeiras da comunidade de Barateiro (Itapajé-CE). Os bordados ali produzidos tinham como motivos as flores miosótis e os frutos do morango (separados ou combinados entre si), muito comuns naquele município. A partir do diagnóstico realizado para identificar problemas com relação à produção, circulação e distribuição dos bordados produzidos em Barateiro (Itapajé-CE), a Secretaria Municipal de Educação desenvolveu e implementou o Programa de Revitalização do Artesanato de Itapajé – PRA-ITA, promovendo uma intervenção junto às bordadeiras quanto ao padrão dos bordados que passaram a ser representações estilizadas da flor do flamboiã. Esta ação realizada sob a égide do design, possibilitou a configuração de uma assinatura coletiva nos bordados produzidos naquela comunidade. O objetivo principal da pesquisa foi demonstrar esse processo e como a intervenção estética tornou-se um marcador cultural.

Resumo. O resultado da reprodução de imagens na impressão têxtil é muitas vezes influenciado por instrumentos e técnicas utilizadas no seu processo produtivo. Por meio de pesquisabibliográfica e testes de impressão foram coletadas informações sobre as tecnologias utilizadas na estamparia digital, com o objetivo de analisar a influência deste processo na impressão e na reprodução de imagens, sobre diferentes substratos têxteis e compreender os fatores relevantes deste processo. Foram selecionados no mercado tecidos planos de várias padronagens, de composição 100% algodão e 100% poliéster e tecido de meia malha de composição 100% poliéster, estes foram impressos a partir de um único arquivo com diferentes imagens. As imagens foram impressas em três resoluções: 300, 150 e 72 PPI. As imagens com 150 PPI foram excluídas deste artigo por não apresentarem diferenças significativas quando comparadas as demais. Os resultados experimentais mostram que existem diferenças significativas entre as características estudadas nas imagens com resolução de 300 PPI e 72 PPI e permite organizar um conjunto de informações práticas referentes a tecnologia de impressão digital em substratos têxteis.

Resumo. Este artigo trata da maquiagem, interpretada como fenômeno do sistema de moda e entabula conexões com a formação oferecida aos profissionais deste sistema. A discussão se iniciou com o sentido da aparência na vida dos sujeitos-moda, destacando a participação da maquiagem na construção imagética pessoal. Delimitada a pertinência do tema ao conceito filosófico da moda, considerou-se a presença da maquiagem e seus desdobramentos na formação do Bacharel em Moda da UDESC. Foram cotejadas as características da maquiagem na composição do sujeito-moda e inúmeras aplicações criativas e educacionais, de caráter experimental e sensível, que se concretizaram por meio de elaborações práticas e teóricas em outros campos formativos. A reflexão desta pesquisa identificou que os saberes presentes na formação em Moda são transversais e complementares aos conhecimentos em torno da maquiagem, assim como apontou usos inventivos e disruptivos da maquiagem.

Resumo. Um objeto qualquer pode se tornar um objeto biográfico a partir da construção dos fatos, do tempo e do ambiente onde o mesmo foi inserido, em relação à vida humana. Compreender a importância das relações afetivas entre os seres humanos e os seus objetos biográficos do cotidiano, constitui-se o objetivo principal para o desenvolvimento deste trabalho. Inclusive, busca-se identificar a relevância das relações afetivas entre pessoas, por meio do fazer crochê e seus reflexos positivos para a memória coletiva. Esta pesquisa bibliográfica, qualitativa, de forma expositiva recria um contexto teórico. Por abordagens metodológicas do design social, utiliza estudos de artigos e demais produtos científicos. As relações afetivas que se instalam ente o ser humano e estes objetos também podem definir o tempo, o lugar, a história de vida de um indivíduo ou grupo social, enfim situar o território. O artesanato do crochê pode ser executado em grupo e, consequentemente, por dedicação do grupo, torna-se uma tradição. Observou-se que o crochê pode ser aplicado em qualquer objeto, desde que se utilize o potencial criativo e a pesquisa de materiais. Para atender ao trabalho coletivo, busca-se matéria-prima na região. Ele impulsiona o movimento de revalorização do “feito à mão”. Dessa forma, torna-se possível inserir as relações afetivas com os objetos, com os lugares e toda a história de vida de um indivíduo ou grupo social.

Resumo. Esse artigo traz informações sobre os modos de ser, estar e agir das mulheres do Vale do Itajaí, Santa Catarina, durante o Século XX, a partir das memórias de quatro mulheres que foram entrevistadas, em 2021, para a elaboração do documentário “Moda e Memórias no Vale”. O documentário buscou registros mnésicos dessas mulheres relativos aos trabalhos e aos modos que permearam a Moda durante o século XX no Vale, resultando em saberes construídos sobre as obrigações no trabalho, na casa e no cotidiano das entrevistadas. Esse artigo objetivou evidenciar uma construção identitária no Vale do Itajaí a partir das memórias das entrevistadas sobre seus hábitos de vestir, do trabalho manual e profissões, bem como os modos e modas de seu tempo, a partir de uma análise de conteúdo (BARDIN, 2016), quando serão apresentadas as falas das mulheres. Espera-se contribuir para a ampliação dos campos de estudo da moda em Santa Catarina, possibilitando a utilização dos registros e memórias da moda local no ensino, pesquisa e extensão.

Resumo. Há várias interseções, em vários aspectos, entre arte, artesanato e design, as quais contribuem para a evolução conceitual de cada um dos setores e, ao mesmo tempo, para a interação entre eles. Neste estudo, levam-se em conta os conceitos referentes à arte, ao artesanato e ao design, suas ambiguidades, inter-relações e conexões em suas respectivas atualizações no decorrer de diferentes épocas, que envolvem ações, termos técnicos e materiais, a partir das transformações sociais e contextualizações. A metodologia utilizada opta por uma síntese e adaptação dos autores Löbach, Munari e Baxter, além de Dijon De Moraes. A imagem, como comunicação visual, tem valores diferentes, segundo o contexto onde ela está inserida, e oferece informações diferentes, da mesma forma que permanecerá com maior ou menor intensidade, condensando-se ou diluindo-se, por um tempo maior ou menor no repertório de imagens das pessoas. Todas essas possibilidades integrativas se oferecem em relação aos elementos já existentes e também às possibilidades de “conexões”. Seu aviso de permanência será aquele de pregnância na memória, ou seja, o tempo real de sua verdadeira existência, não o tempo físico, mas, pelo contrário, o de sua pregnância psicofísica, o que dá consistência às leis da Gestalt, sobretudo no tocante à sua lei básica da pregnância da forma. O criador, com sua comunicação não verbal no universo artístico, também irá utilizar o mesmo recurso como seu arquivo de significados representantativos que traz na memória, em conformidade com o ethos de um corpo coletivo, como define Maffesoli.

Resumo. Este artigo tem como objetivo relatar o uso do sketchbook como ferramenta para o registro de informações da comunidade artesã do bairro Rio Vermelho, na cidade de Florianópolis (SC). Para tanto, na etapa de coleta de dados da pesquisa, foram feitas entrevistas com visitas à comunidade e, na etapa de formação do corpo de conhecimento, utilizou-se uma revisão bibliográfica narrativa e assistemática. Metodologicamente, este artigo pode ser compreendido como uma pesquisa aplicada, qualitativa, descritiva e de campo. A partir do relato de experiência apresentado, infere-se que, diferentemente do que indica a literatura investigada, o sketchbook pode ser usado não somente na fase de ideação projetual no trabalho de designers e artistas, mas também no registro e na documentação de informações imagéticas e textuais acerca dos saberes artesanais da Renda de Bilro. Ademais, concluiu-se que o sketchbook pode ser relevante como fonte de pesquisa documental e como meio para salvaguardar o feitio de artefatos artesanais contemporâneos.

Resumo. Este artigo é um resumo da tese de Doutoramento “Investigação de parâmetros de análise do design de equipamento enquanto ferramenta de impacto social” realizada em 2020 na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Trata-se de uma investigação que olhou para as questões relacionadas com o binómio design-fazer local. Para tal, produziu-se uma descrição-síntese de parcerias brasileiras e portuguesas existentes nestes dois mundos (design e fazer local) e delimitou-se (descreveu-se e analisou-se) as relações provenientes e existentes neste processo com base no entendimento destas experiências. A investigação foi dividida em duas etapas. A primeira caracterizou-se por uma revisão bibliográfica que envolveu estudos de autores diversos acerca do lugar do artesanato no Brasil e em Portugal; das aproximações e diferenças do design e das suas dimensões do fazer local. Produziu- se, portanto, uma estrutura teórica a ser utilizada na segunda etapa que compreendeu a pesquisa, descrição e avaliação de 20 casos de estudo brasileiros e 5 portugueses. Foram realizadas entrevistas a partir de um questionário semiestruturado com os três atores presentes nestas parcerias – o artífice, o designer e as entidades ou instituições que fomentam estas parcerias. As ponderações finais indicam que somos todos artífices, sendo o impacto uma via com dois sentidos.

Resumo. Esse artigo têm como objetivo relatar e discutir uma atividade interdisciplinar realizada ao longo do primeiro período letivo num curso de graduação em Design de Moda entre as disciplinas de História da Moda e da Indumentária, Fundamentos e História do Design, Modelagem e Desenho de Moda. Esta prática mobilizou conhecimentos da arte, do artesanato e da moda no desenvolvimento de saias masculinas apresentadas na forma de um desfile. Como resultado, discute-se como a integração de conhecimentos é relevante para os designers em formação para que compreendam o design de forma crítica, reflexiva e integrativa traduzindo nos produtos concebidos, os conhecimentos artísticos, artesanais e tecnológicos.

Resumo. O artigo apresenta uma abordagem pedagógica no Ensino Superior de Artes e Design que não se pauta exclusivamente na Pedagogia, mas se desenvolve em torno da Sociossemiótica que deixa de ser uma teoria de análise crítica para se tornar uma ferramenta explorada em sua visão gerativa, construindo práticas que serão colocadas em discurso. Da concepção do programa à entrega de atividades presenciais e online, o programa que constitui o caso principal deste trabalho foi idealizado, concebido e entregue utilizando os princípios da semiótica de Greimas (1986, 1987, 2002; GREIMAS & COURTÉS, 1993) no que se refere à análise dos discursos, e as teorias das interações desenvolvidas por Landowski (2004, 2005, 2009, 2010) e Oliveira (2002, 2013). A ponte criada entre essas teorias e a Pedagogia REAMD, v. 5, n. 1, p. 55 - 75, ISSN 2594-4630, fev. - mai. 2021 Jardim (Re)criar Fashion Context Studies... 57Crítica de Freire (1970) permitiu explorar diferentes modos de presença em sala de aula, transformando os papéis de professor, aluno, e mesmo dos conteúdos do curso. O olhar do Ensino Superior para além das trocas econômicas acolheu a construção de uma atitude em relação ao conhecimento que ultrapassa a ideia de “transferência de habilidades”, cultivando ajustes que visam a união entre diferentes sujeitos, resultando em um ensino da teoria que supera a escrita de ensaios e se torna um parte integrante na elaboração do design. Por meio das transformações das interações entre tutor, alunos e conteúdos da disciplina, o modelo apresentado no artigo convida a uma reflexão sobre a importância dos conceitos semióticos no processo de construção de práticas educacionais que “fazem sentido”.

Resumo. Este artigo traz uma reflexão sobre a experiência docente de Mário de Andrade, quando o renomado poeta assumiu a cadeira de Filosofia e História da Arte no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (RJ) ― IA/UDF. A referida universidade foi criada por Anísio Teixeira em 1935 na Cidade do Rio de Janeiro, à época Capital Federal. A UDF era uma instituição diferenciada porque tinha como carro chefe a formação de professores para diferentes áreas do conhecimento. Muitos foram os embates enfrentados por esta instituição que teve curta existência (1935 a 1939). Nessa instituição, além de Mário de Andrade, também atuaram como professores figuras eminentes da arte modernista brasileira. Dessa forma, o objetivo central desta pesquisa é compreender quais foram as contribuições de Mário de Andrade como professor no Instituto de Artes da UDF para formação de professores de Artes (Desenho e Pintura) da referida instituição. O referencial teórico que norteia as reflexões desta pesquisa baseia-se nos trabalhos dos seguintes autoras: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) e Mendonça (2002). A metodologia consistiu-se em análise documental dos acervos das seguintes instituições: Programa de Estudos e Documentação Educação e Sociedade da UFRJ; Projeto Portinari da PUC-Rio e Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional. A análise das fontes permitiu confirmar o caráter modernista do ensino do Instituto de Artes da UDF, além de que Mário de Andrade intencionava despertar em seus alunos uma consciência artística a partir do desenvolvimento de uma técnica pessoal, sem limitar o artista a padrões estabelecidos rigidamente.

Resumo. O presente artigo tem por objetivo estabelecer relações entre moda, memória e museu, tendo em vista a compreensão do fenômeno da moda que sai do lugar comum e adentra os espaços museológicos. Assim, dedicamo-nos, também a examinar como a moda e o museu, enquanto campos de produção cultural, se estruturam. O referencial teórico compreende os seguintes autores: Le Goof (2013), Nora (1993), Crane (2008), Lipovetsky (2009), Sant'Anna (2010), Norogrando (2015), Andrade (2008). Este trabalho foi desenvolvido a partir do resultado de pesquisa exploratória adotando as seguintes etapas metodológicas: revisão de literatura, pesquisa documental e estudos de caso que pautaram as análises e sínteses apresentadas.

Resumo. A Semiótica de linha francesa desenvolvida por A. J. Greimas e seus colaboradores tem como um de seus princípios colocar-se a serviço das outras ciências sociais e humanas. O objetivo deste trabalho é realizar um levantamento e entender como a arquitetura conceitual da teoria semiótica de Greimas é usada nas pesquisas das áreas de Design e Moda no Brasil. Nosso corpus de pesquisa são as teses e dissertações defendidas até o ano de 2019 em 25 programas de pós-graduação dessas áreas, filtradas segundo o uso ou menção de autores do campo da teoria semiótica francesa. O problema foi compreender se e como a Semiótica de Greimas apresenta-se em interdisciplinaridade com as pesquisas desenvolvidas nos programas de pós-graduação em Design e Moda brasileiros. De um universo total de 2.854 teses e dissertações disponíveis nos bancos de dados online, encontramos 90 trabalhos que fazem uso da Semiótica de Greimas. Partindo da oposição entre os modos do fazer científico por triagem ou por mistura, identificamos nos resultados localizados uma tipologia das relações entre disciplinas, que podem se dar tanto como operações de separação ou de comparação (lógicas de triagem), quanto como operações de combinação ou de indiferenciação (lógicas de mistura). No geral, encontramos uma quantidade maior de trabalhos pertencentes à lógica da mistura do que à lógica da triagem, o que evidencia a própria natureza interdisciplinar das áreas de Design, Moda e Semiótica.

Resumo. Partindo da compreensão da Abordagem Triangular como caminho para elaboração de mundos por meio de interpretações de imagens, objetos artísticos e contextos, serão apresentados neste artigo alguns procedimentos arte/educativos desenvolvidos durante o curso de férias da Escolinha de Arte do Recife (EAR) no ano de 2020. A fim de registrar como a instituição vem atuando, primeiramente faremos uma breve contextualização histórica do surgimento da instituição e de suas perspectivas pedagógicas na contemporaneidade, para em seguida observarmos a atividade artística de estamparia com materiais alternativos. Apresentaremos como ocorreu o processo de formação estética e ética de crianças na EAR, como elas ampliaram suas percepções sobre as temáticas: Sustentabilidade, desigualdade social e Cultura local. No final, como será visto, guiado pelas técnicas de estamparia utilizadas por alguns artistas, o arte/educador promoveu experiências artísticas que prepararam previamente as crianças para a experiência do encontro presencial com a artista Iza do Amparo.